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L’art pour l’art : entre souci de l’esthétisme et manque de contextualisation

L’exposition au Louvre Lens Les désastres de la guerre présente une très riche collection d’œuvres d’une grande diversité – comme ces photographies prises pendant la Guerre de Crimée (1853-1856) ou celles d’enfants français jouant aux soldats pendant la Première Guerre mondiale – et se révèle d’un intérêt indiscutable quant au jeu fait d’échos et d’innovation que les artistes proposent dans leurs œuvres pour représenter les désastres de la guerre. L’intérêt historique de ces œuvres est néanmoins à nuancer du fait d’une contextualisation parfois approximative, ce qui nuit à la compréhension du véritable enjeu de leur présence – dans le temps et l’espace – au sein de l’exposition.

L’un des exemples que je retiendrai est la présence, dans la salle sur la Première Guerre mondiale, de deux photographies de victimes du génocide arménien, prises, en 1915, par Armin T Wegner. Ces deux images sont posées, dans une même vitrine, à la suite de deux autres clichés, le premier représentant un soldat blessé amputé de la jambe droite (1914-1918), le second montrant une « main déchirée par un obus et restée » sur le champ de bataille (28 octobre 1917). Elles sont encadrées de l’autre côté par une série de documents évoquant les mutilés de guerre, les reconstructions faciales et les prothèses. Pourquoi ce choix de la part des commissaires et pourquoi à cette place précisément ? Que doit comprendre le visiteur ? La photographie, même comme archive, parle-t-elle en elle-même ? Les questions autour du choix de la représentation du génocide arménien, de la volonté de montrer ces images sans les expliquer ne trouvent pas réponse dans les commentaires introductifs de la salle ni dans les documents, qui ne sont pas commentés. Cette mise sur le même plan de toutes les victimes – civiles et militaires, désarmées et combattantes, du génocide ou de la guerre – semble alors davantage relever de l’accumulation documentaire qu’elle n’éclaire les pièces exposées et le choix de ces dernières. Au final, la thèse de l’exposition pâtit de ces principes d’exposition quelque peu à rebours du discours général porté sur les œuvres et leur fonction de dénonciation de la guerre.

Sans doute les autres exemples non commentés, relevés au cours de la visite, ne sont-ils pas aussi frappants, mais ils gênent également la lecture des pièces choisies, ce qui rejaillit sur l’impression d’ensemble de l’exposition. Sans commentaire pour justifier le choix de l’œuvre ni pour préciser qui est l’artiste, on trouve ainsi une production d’un Américain pour illustrer les premières années de la Seconde Guerre mondiale, avant l’entrée en guerre des Etats-Unis. Le choix étrange d’un artiste que l’on suppose éloigné du conflit aurait gagné à être davantage expliqué, voire justifié, conférant dès lors au tableau non seulement une valeur artistique, mais un intérêt historique.

L’exposition laisse alors le visiteur historien à la fois surpris et frustré : surpris par des œuvres remarquables en raison de leur richesse esthétique, mais frustré par une lecture qui bute sur des attentes non comblées, à commencer peut-être par le discours relevant de l’histoire de l’art qu’on aurait souhaité voir apparaître davantage à travers le commentaire des œuvres.

                                               Amaury Bernard